https://popups.uliege.be/0774-7136/index.php?id=55 Numéros en texte intégral fr Wed, 18 Feb 2015 11:45:07 +0100 Fri, 05 Sep 2025 08:44:02 +0200 https://popups.uliege.be/0774-7136/index.php?id=55 0 https://popups.uliege.be/0774-7136/index.php?id=354 L’article reprend la question de l’évolution du rôle de l’empathie esthétique (Einfühlung) pour la constitution de l’histoire de l’art en savoir autonome et rigoureux chez Heinrich Wölfflin, des Prolégomènes à une psychologie de l’architecture (1886) aux Principes fondamentaux de l’histoire de l’art (1915). On sait que le modèle corporel de l’empathie esthétique, privilégié dans le premier ouvrage, est mis de côté dans le second au profit de la construction d’un objet spécifique de l’historiographie de l’art, les « formes d’appréhension et de présentation », appelées aussi « catégories de l’intuition » ou « schèmes optiques ». L’article comprend cette évolution à partir du désir wölfflinien de fonder l’histoire de l’art comme Kunstwissenschaft, et montre comment ce fondement s’établit dans une réflexion de type transcendantal sur la constitution affective de l’espace. Le « formalisme » de Wölfflin ne nie nullement la pertinence du déchiffrage empathique des œuvres, mais l’encadre méthodiquement par, et le subordonne à, la détermination des structures historico-transcendantales de la spatialisation. This article re-examines the question of the change in the role of aesthetic empathy (Einfühlung) for the constitution of Art History as autonomous and rigorous knowledge in Heinrich Wölfflin, from the Prolegomena to a Psychology of Architecture (1886) to the Principles of Art History (1915). It is known that the bodily paradigm of aesthetic empathy, privileged in the first book, is set aside in the second in favour of the construction of the specific object of art historiography, the “forms of apprehension and presentation”, which are also called the “categories of intuition” or “optical schema”. The article understands this development from the perspective of the Wolfflinian desire to establish the history of art as Kunstwissenschaft, and shows how the tools for the latter are found in a transcendental reflection on the conditions of possibility of spatializing. Wölfflin’s “formalism” never denies the pertinence of an empathetic deciphering of works, but frames it methodologically by, and subordinates it to, the determination of the historico-transcendental structures of spatialization. Der Aufsatz greift die Frage nach der Rolle der „Einfühlung“ als konstituierendes Element einer autonomen Kunstgeschichtsschreibung bei Heinrich Wölfflins auf. Während die Prolegomena zu einer Psychologie der Architektur (1886) auf dem Konzept der Einfühlung als körperlich-psyschicher Leistung aufbauen, verschiebt sich spätestens mit den Kunstgeschichtlichen Grundbegriffen (1915) Wölfflins Ansatz: Er fokussiert nunmehr die „Auffassung- und Darstellungsformen“ (oder „Kategorien der Anschauung“ oder „optischen Schemata“) als neudefiniertes Objekt der Kunstgeschichte. Diese Verschiebung in seinem Denken wird in diesem Beitrag im Kontext von Wölfflins Streben nach der Grundlegung der Kunstgeschichte als „Kunstwissenschaft“ betrachtet; diese Fundierung wird als transzendental-philosophische Untersuchung der affektiven Raumkonstitution verstanden. In seinem „Formalismus“ weist Wölfflin die Bedeutung der „einfühlenden“ Entschlüsselung von Kunstwerken nicht zurück. Entscheidend ist, dass sie dem methodischen Rahmen der geschichtlich-transzendentalen Verräumlichungsstrukturen untergeordnet wird. Thu, 02 Apr 2015 15:22:57 +0200 https://popups.uliege.be/0774-7136/index.php?id=354 https://popups.uliege.be/0774-7136/index.php?id=355 Une grande partie du débat contemporain sur l’art et la morale porte sur les conséquences comportementales de l’expérience des œuvres d’art, sur la dépendance ou l’indépendance entre la valeur esthétique et la valeur morale des œuvres d’art, et se demande si des défauts ou des mérites éthiques des œuvres d'art devraient également être considérés comme des défauts ou des mérites esthétiques (et vice versa). Ici, je vais me concentrer sur un autre sujet, bien qu’il soit lié au premier. Je vais examiner si les artistes ont des devoirs envers l’art lui-même, comme Luigi Pareyson l’a affirmé dans son Estetica. Teoria della formatività (1954). En d'autres termes, je vais poser la question de savoir si la poursuite de la réussite artistique nécessite, entraîne ou peut causer une sorte de position morale envers l’activité artistique. Je suggère que la notion d’authenticité comprise non seulement comme une obligation ou un devoir, mais plutôt comme une vertu, peut être utile à cet égard. A large part of the contemporary debate on art and morality is over the behavioural consequences of consuming artworks, the dependence or the independence between the aesthetic and the moral value of artworks, and whether ethical flaws or merits of artworks should also be considered as aesthetical flaws or merits (and viceversa). Here I will focus on a different, although related, topic. I will consider whether artists have duties towards art itself, as Luigi Pareyson argued in his Estetica. Teoria della formatività (1954). In other words, I will raise the question whether the pursuit of artistic success requires, entails, or can result in a kind of moral stance towards artistic endeavour. I will suggest that the notion of authenticity not just as an obligation or a duty, but rather as a virtue, may be useful at this regard. Ein Großteil der heutigen Debatte über Kunst und Ethik betrifft die Verhaltenskonsequenzen der Erfahrung von Kunstwerken, die Abhängigkeit oder Unabhängigkeit zwischen dem ästhetischen und dem moralischen Wert von Kunstwerken, und die Frage, ob moralische Mängel oder Verdienste der Kunstwerke auch als ästhetische Mängel oder Verdienste zu berücksichtigen sind (und umgekehrt). Hier werde ich meine Aufmerksamkeit mich auf einen anderen, wenn auch verwandte,n Thema. Ich werde prüfen, ob Künstler Pflichten gegenüber der Kunst selbst haben, als Luigi Pareyson in seiner Estetica. Teoria della formatività (1954) argumentiert. Mit anderen Worten, werde ich die Frage aufwerfen, ob das Streben nach künstlerischen Erfolg eine Art moralischer Haltung der künstlerische Tätigkeit gegenüber erfordert, mit sich bringt, oder dazu führen kann. Ich werde vorschlagen, dass der Begriff der Authentizität nicht nur als Verpflichtung oder Pflicht, sondern vielmehr als Tugend, in dieser Hinsicht sinnvoll sein kann. Thu, 02 Apr 2015 15:23:44 +0200 https://popups.uliege.be/0774-7136/index.php?id=355 https://popups.uliege.be/0774-7136/index.php?id=356 Cet article se propose d’étudier l’émergence de la mélancolie comme tonalité affective liée à la vie spéculative dans le monde médiéval. Catégorie d’origine médicale, la mélancolie est explicitement transposée dans la sphère intellectuelle par Henri de Gand (XIIIe siècle), qui la lie à l’impuissance spéculative de la virtus imaginativa – d’où le titre melancholia imaginativa –, impuissance qui serait propre aux mathématiciens. L’article présente les racines possibles de l’assimilation entre mélancolie et imagination chez les philosophes et les théologiens, qui, sans référer à la tradition littéraire, puisent cependant dans les traités médicaux, astrologiques et physiques. L’étude s’opère en trois temps : le lien entre imagination et impuissance spéculative dans les débats épistémologiques du XIIIe siècle, l’émergence d’une catégorie psychique accompagnant la vie intellectuelle dans la tradition médicale, et sa récupération par les penseurs du XIIIe siècle ; et enfin l’émergence de questionnements, chez les penseurs du XIIIe siècle, sur la tristesse qui peut accompagner la vie de la pensée. This article proposes to study the emergence of melancholy as an affective tonality linked to the life of speculation in the Middle Ages. Originally a medical category, melancholy was explicitly transposed to the intellectual sphere by Henry of Ghent (XIIIth century) who linked it to the speculative impotence of the virtus imaginativa – hence the title melancholia imaginativa –, an impotence that is peculiar to mathematicians. The article presents the possible roots of the assimilation between melancholy and imagination among philosophers and theologians who, without referring to the literary tradition, nevertheless delve into medical, astrological and physical treatises. The study is threefold: the link between the imagination and speculative impotence in the epistemological debates of the XIIIth century, the emergence of a mental category accompanying intellectual life in the medical tradition, and its retrieval by thinkers of the XIIIth century; finally, the emergence of questionings, among thinkers of the XIIIth century, on the sadness that can accompany the life of thought. Gegenstand dieses Artikels ist die Erforschung der Herausbildung der Melancholie als emotionale Grundstimmung im Zusammenhang mit der spekulativen Denkweise des Mittelalters. Die Melancholie, ursprünglich ein Begriff aus dem Medizinischen, wurde von Heinrich von Gent (13. Jahrhundert) ausdrücklich in die Welt der Geisteswissenschaften übernommen; er bringt sie in Verbindung mit der spekulativen Unfähigkeit der virtus imaginativa - daher die Benennung 'Melancholia imaginativa' -, die angeblich den Mathematikern zuzuschreiben ist. In diesem Artikel werden die denkbaren Ursprünge der Gleichstellung von Melancholie und Vorstellungskraft bei Philosophen und Theologen dargestellt, die zwar nicht Bezug auf die literarische Tradition nehmen, aber dennoch aus den Texten der Medizin, Astrologie und Physik schöpfen. Die Untersuchung erfolgt in drei Stufen: der Zusammenhang zwischen Vorstellungskraft und spekulativer Inkompetenz in der erkenntnistheoretischen Diskussion des 13. Jahrhunderts, das Entstehen einer psychischen Kategorie als Begleiterscheinung des geistigen Lebens in der medizinischen Tradition sowie die Übernahme des Begriffs durch die Denker des 13. Jahrhunderts, und schließlich das Aufkommen von Fragestellungen über die Traurigkeit als mögliche Begleiterscheinung des geistigen Lebens der Denker des 13. Jahrhunderts. Thu, 02 Apr 2015 15:24:09 +0200 https://popups.uliege.be/0774-7136/index.php?id=356 https://popups.uliege.be/0774-7136/index.php?id=357 La lecture d’un chapitre de De opificio mundi consacré à la création de l’homme permet de comprendre comment Philon met en œuvre une théorie noétique selon laquelle la possibilité de penser Dieu serait déterminée par l’image que Dieu dépose dans l’homme et qui correspond à la pensée créatrice et réflexive de Dieu dans l’acte même de créer l’homme. Il s’agit de la première création, celle dont le fruit est l’humanité ou l’homme noétique, à l’image et à la ressemblance de Dieu (Gen. 1, 26), puis de la création de l’homme hylétique, doué de corps et de qualités sensibles (Gen. 2, 7). L’usage de certains termes spécifiques montre que Philon se sert du topos platonicien de la statue divine dont l’homme serait le porteur ; cette statue correspond à l’intellect et serait doublée d’un reflet ou d’une image propre à la louange que l’homme rend dans son âme en guise de reconnaissance de ce qui en lui transcende sa nature. Grâce à l’interprétation philonienne, ce topos platonicien apparaît comme précurseur à la fois de la noétique néoplatonicienne et des principes d’une rationalité constitutive de la théologie. The reading of a chapter of De opificio mundi devoted to the creation of man throws light on the way Philo implements a noetic theory according to which the possibility of thinking God would be determined by the image God entrusts to the custody of man, which symbolizes the creative and reflexive thinking involved in God’s creation of man. The topic under consideration is the first creation, whose outcome is humanity or noetic man, created in the image and likeness of God (Gen, 1, 26) and then the creation of hyletic man, endowed with a body and sensitivity (Gen, 2,7). The specific terms chosen by Philo reveal that he uses the platonic motif of the divine statue enshrined in man. This statue embodies intellection and would be replicated in a reflection worthy of the praise that, within his soul, man gives as a token of his gratitude for what in himself transcends his own nature. Thanks to Philo’s interpretation, this platonic motif seems to herald neoplatonic noetic and the principles of rational thinking instrumental to theology. Beim Durchlesen eines Kapitels vom De opificio mundi Philons, das der Schöpfung des Menschen gewidmet ist, zeige ich auf welche Art und Weise setzt der Autor eine noetische Theorie in Bewegung. In diesem Rahmen würde die Möglichkeit, Gott zu denken, durch das Bild, das Gott in die Menschen hineinsetzt, bestimmt. Diesem Bild entspricht der schöpferische reflexive Gedanke Gottes, wodurch er den Menschen selbst gleich schöpft. Es handelt sich um die erste Schöpfung, deren Produkt die Menschheit, bzw. der noetische Mensch ist, der nach dem Abbild und Ähnlichkeit Gottes geschaffen ist (Gen., 1, 26). Dann handelt es sich um die Schöpfung des hyletischen Menschen, der mit Leib und sinnlichen Eigenschaften ausgestattet ist (Gen., 2, 7). Die Verwendung von einigen spezifischen Begriffen zeigt an, dass Philon den platonischen Topos der durch den Menschen getragenen göttlichen Statue benutzt. Der Statue entspricht der Verstand. Sie wäre zudem durch ein Spiegelbild verdoppelt, d.h. das Bild der Lobrede der menschlichen Seele Gott gegenüber, wobei sie daran erkennt, dass etwas ihre Natur transzendiert. Dank der Interpretation Philons erscheint dieser platonischen Topos als Wegbereiter sowohl der neuplatonischen Noetik, als auch der Prinzipien einer grundlegenden Rationalität für die Theologie.  Thu, 02 Apr 2015 15:24:53 +0200 https://popups.uliege.be/0774-7136/index.php?id=357 https://popups.uliege.be/0774-7136/index.php?id=364 Qu’est-ce qu’une représentation-de-phantasia ? En quoi se distingue-t-elle d’une représentation-d’image ? La réponse que Husserl donne à ces questions se transforme dans le cours Éléments fondamentaux de la phénoménologie et théorie de la connaissance (1904/05). Cet article tente de repenser cette transformation à la lumière de la réduction phénoménologique. Il montre qu’elle implique un approfondissement de la réduction de la phantasia comme réduction double : non seulement une réduction « sur » la phantasia, mais aussi une réduction « dans » la phantasia. What is phantasy-presentation ? How does it differ from image-presentation ? Husserl’s answer to these questions changes in the lectures on “Principal Parts of the Phenomenology and Theory of Knowledge” (1904/05). This paper tries to rethink this transformation in the light of the phenomenological reduction and shows that it implies to develop the reduction of phantasy as double reduction : not only a reduction “on” phantasy, but also a reduction “in“ phantasy. Was heisst Phantasievorstellung ? Wodurch unterscheidet sie sich von der Bildvorstellung ? Husserls Antwort auf diese Fragen ändert sich im Laufe der Vorlesung über „Hauptstücke aus der Phänomenologie und Theorie der Erkenntnis“. Dieser Artikel versucht, diese Änderung im Licht der phänomenologischer Reduktion erneut zu durchdenken. Es wird dabei gezeigt, dass die erwähnte Änderung eine Vertiefung der Reduktion der Phantasie als einer doppelten Reduktion impliziert: nicht nur eine Reduktion „auf” die Phantasie, sondern auch eine Reduktion „in” der Phantasie. Thu, 02 Apr 2015 15:25:18 +0200 https://popups.uliege.be/0774-7136/index.php?id=364 https://popups.uliege.be/0774-7136/index.php?id=365 Par l’étude d’un cas – Alphonse Dupront (particulièrement son texte « Itinéraire », 1ère partie de l’ouvrage Du sacré. Croisades et pèlerinages. Images et langages) – j’entends éprouver l’hypothèse selon laquelle l’image détermine des modalités inédites du savoir historien. Excentrique, Dupront a retenu mon attention. N’est-ce pas depuis les marges qu’on peut, le mieux, examiner le centre ? Dupront ne produit pas, sur les images, un discours en surplomb ni un texte où l’image est prétextuelle. Il réalise une expérience : son texte est à la fois le lieu d’une pratique et l’endroit où se réfléchit cette pratique. Le récit de Dupront constitue un métadiscours et c’est par l’image que le récit historien est contraint de s’engager dans l’autoréflexivité. Chez Dupront, les catégories du temps et de l’image sont étroitement intriquées. Cette intrication des catégories vient de ce que la définition du temps (longue durée) engendre une conception de l’événement (le vécu qu’étudie l’historien) s’accordant à une certaine définition de l’image (l’image entendue comme agrégat d’hétérogènes et, par-là, possédant un potentiel d’actualisation). Dès lors, événement et image partagent une même propriété, celle d’être actualisables. Cette contiguïté catégorielle fonde le système dupronien. En cela, l’image occupe une place prépondérante ; elle détermine des modalités inédites du savoir historique et questionne le dispositif historique dans son ensemble. Ainsi, la marge où se tient Dupront révèle quelque chose de fort qui œuvre au sein de la pratique. Plus que d’offrir une simple évasion, les travaux du médiéviste nous placent au cœur du problème. Through a case study — Alphonse Dupront (in particular his text « Itinéraire », the 1st part of his work entitled Du sacré. Croisades et pèlerinages. Images et langages) — I intend to challenge the hypothesis that image determines the hitherto unseen modes of historical knowledge. Dupront’s excentricity held my attention. Is it not from the margins that we can better examine the centre ? Dupront does not produce an overhanging discourse nor a text where image is pretextual. He experiments : his text is at the same time a place of practice and a place where this practice gets considered. Dupront’s narrative constitutes a metadiscourse, and the historical narrative is compelled to engage in self-reflexivity through image. In Dupront’s work, time’s and image’s categories are closely intertwined. This interrelation of categories results from the fact that the definition of time (long-lasting) that engenders a conception of event (the experiences that the historian analyses) matches a certain definition of image (image seen as a miscellaneous aggregate, and therefore displaying scope for potential updating). As a consequence, event and image share a common attribute, which is that they both are updatable. This category contiguity is the foundation of the dupronian system. As such, image plays a leading role ; it determines unseen modes of historical knowledge and questions the historical system as a whole. Thus, the margin where Dupront stands reveals something strong that works within practice itself. More than offering mere evasion, the medievalist’s works place us at the very heart of the issue. Anhand einer Fallanalyse – Alphonse Dupront (insbesondere sein Text „Itinéraire“ (Werdegang), 1. Teil des Werkes Du sacré. Croisades et pèlerinages. Images et langages (Sakrales. Kreuzzüge und Pilgerreisen. Bilder und Sprachgebrauch)) – möchte ich die Hypothese prüfen, laut der das Bild völlig neue Modalitäten des historischen Wissens bestimmt. Dupront als Exzentriker hat mein Interesse geweckt. Ist es nicht so, dass man vom Rand aus die Mitte am besten beobachten kann? Dupront untermauert die Bilder nicht mit zusätzlichen Worten oder mit einem Text, wo das Bild als Vorwand dient. Er führt ein Experiment durch: Sein Text ist sowohl der Ort einer Praxis als auch der Ort, an dem sich diese Praxis widerspiegelt. Bei der Erzählung von Dupront handelt es sich um eine Metarede; es ist das Bild, das die historische Darstellung zur Selbstprüfung zwingt. Bei Dupront sind die Kategorien Zeit und Bild eng miteinander verflochten. Diese Verflechtung der Kategorien ist darauf zurückzuführen, dass die Definition von Zeit (lange Dauer) eine Vorstellung des Ereignisses (das Erlebte, das der Historiker untersucht) hervorruft, die zu einer bestimmten Definition des Bildes passt (das Bild wird als Konglomerat heterogener Bestandteile verstanden und besitzt somit ein Aktualisierungspotential). Folglich teilen das Ereignis und das Bild eine selbe Eigenschaft und zwar diejenige, aktualisierbar zu sein. Diese kategoriale Kontiguität begründet das Dupront‘sche System. Das Bild nimmt hier einen vorrangigen Platz ein; es bestimmt völlig neue Modalitäten des historischen Wissens und stellt Fragen zur historischen Verfahrensweise in ihrer Gesamtheit. So zeigt der Randbereich, in dem Dupront sich aufhält, etwas Tiefgründiges auf. Die Arbeiten des Mediävisten bieten nicht nur einen Augenblick der Entspannung, sondern führen uns auch zum Kern des Problems. Thu, 02 Apr 2015 15:25:40 +0200 https://popups.uliege.be/0774-7136/index.php?id=365 https://popups.uliege.be/0774-7136/index.php?id=366 Cet article étudie l’importance de la figure de Buffalo Bill dans l’imaginaire « western » et le rôle qu’ont joué les dispositifs médiatiques mis en place par ce westerner devenu homme de cirque. En discutant quelques aspects de l’apparaître imaginaire de ce personnage et de son « Wild West Show », l’analyse propose d’abord une réflexion sur les rapports entre esthétique des « attractions » et transmédialité dans le contexte culturel de la première mondialisation ; elle aborde ensuite quelques réfractions fictionnelles des phénomènes interrogés dans le roman populaire et la bande dessinée en Europe et au XXe siècle. This article anayses the importance of Buffalo Bill’s charachter in the Western genre and the part that he played as a circus man in many media devices. By exploring this William Cody’s life and the famous ‘‘Wild West Show’’, the analysis starts with a few remarks on the relation between aesthetic of ‘‘attractions’’ and transmediality in the cultural context of the first globalization. Then it approaches some fictionnal consequences of this phenomen in novels and comics throughout Europe in the 20th century. Dieser Artikel analysiert die Bedeutung der Figur Buffalo Bill für die Welt des „Westerns“ und die Rolle, die die medialen Mittel spielen, die dieser „Westerner“ und späterer Zirkusmann, eingesetzt hat. Bei der Untersuchung dieser Figur und ihrer „Wild West Show“, beginnt die Analyse mit einer Reflexion über die Zusammenhänge zwischen Ästhetik der „Attraktionen“ und der transmedialität im kulturellen Kontext der ersten Globalisierung. Daraufhin werden einige Refraktionen dieses Phänomens im Roman und im Comic in Europa und im 20sten Jahrhundert untersucht. Thu, 02 Apr 2015 15:26:29 +0200 https://popups.uliege.be/0774-7136/index.php?id=366